Civilcinema

Una de las muchas gracias que hicieron de esta película un eje, o un umbral, es su presentación como un noir que súbitamente se convierte en algo muy distinto bajo la inerte mirada de una bandada de pájaros muertos. En ese momento, en que Marion Crane y Norman Bates comparten un espacio cerrado, ideas y sentimientos, se abre una caja de pandora de terror físico y psicológico que tendrá una larga y variopinta descendencia hasta hoy. De eso y más hablamos en el podcast.

Concurso; Pete el negro; Los amores de una rubia; y Al fuego, bomberos conforman una secuencia intensa y brillante que empezó como una reflexión del (no) papel de la juventud en una sociedad comunista, y terminó declarando la inadecuación total de ese régimen ante la inasible e indómita naturaleza humana. Los espacios gregarios que se repiten en sus películas se muestran como contenedores de energía que siempre parecen a punto de desbordarse, con sus hombres, mujeres, jóvenes y viejos. Como premio, Forman recibió el exilio. Estas películas tuvieron larga descendencia, incluso en Chile. De eso y más hablamos en el podcast.

Después de la premiada broma (de mal gusto) llamada Birdman, la dupla mexicana Iñárritu-Lubezki se puso al servicio de este proyecto impulsado por DiCaprio y movido por dos fines. Darle el esquivo Oscar al actor y fraguar un experimento (aunque menos artificioso que Birdman), consistente en contar una historia de persecución simple y sin pretensiones, pero con un ritmo pausado y matizado con un entorno natural filmado a lo Terrence Malick... y llegar al gran público en el intento. Creemos que el experimento funciona. De esto y más hablamos en el podcast.

Sicario (Denis Villeneuve, 2015) es buena, pero es menos de lo que parece. Bien filmada y bien montada, su guión no pasa de ser un dispositivo cívico para explicar y culpar al público próspero y bien pensante por el flagelo del narco que, por cierto, sufren otros a muchos kilómetros. Por el contrario, la ferocidad de The Counselor y de sus personajes excesivos, ya sea en la perversidad, la estupidez o la indolencia, la película lanza una sombra perdurable que va más allá del narco o de la ambición de alguien: una imagen quebrada del mundo imposible de recomponer. De eso y más hablamos en el podcast.

Lleva poco más de cinco años muerto y ya ha generado una retahíla de obras que tratan de entender, interpretar, cerrar o edulcorar la clausura de Steve Jobs respecto de los demás, mientras concebía los aparatos que todos quieren tener para prolongar su propia personalidad. En este podcast marcamos el acento en el demoledor documental de Alex Gibney y en la sorprendente obra de teatro de Aaron Sorkin que llegó al cine de la mano de Danny Boyle, grandes películas. Y ojo que ni siquiera mencionamos a Pixar, la única creación cinematográfica de Jobs.

El estreno de Los piratas del Caribe: La maldición del Perla Negra (2003) no solo dio inicio a una franquicia de calidad (dramáticamente) decreciente, sino que comenzó una colaboración entre su director (Verbinski) y la principal estrella (Depp), que siguió con Rango (2011) y El Llanero Solitario (2013). Esta trilogía de sólidas películas se alimenta de géneros y subgéneros conocidos, pero no para reírse de ellos sino para celebrar sus logros con el envoltorio del entretenimiento y para meter un par de goles en el camino. De eso y más hablamos en el podcast.

El hallazgo de unas grabaciones de audio hechas por Marlon Brando son el punto de partida inusual para un documental que, aparentemente, ofrece un resultado típico. La voz de Brando -y su imagen digitalizada- son hilvanadas con los grandes hitos de su vida y su carrera, a fin de armar un relato biográfico lineal que entra y sale de otros temas como: su historia familiar, el oficio de la actuación, su conciencia política y muchas cosas más. De esto hablamos en el podcast.

La obra maestra y seminal de la dupla Lang-von Harbou no es tanto las películas mismas sino su protagonista homónimo: un espíritu indomable que mezcla psicoanálisis, nihilismo, tecnología, riqueza y seducción, para representar diversas formas de caos en periodos distintos de la historia de Alemania. Antecesor de los villanos de Bond y de una familia completa de las cintas de aventuras, Mabuse es también como los filmes de zombies de G. Romero, donde cada uno aborda un elemento distinto y característico de su propia época.

El Señor de los anillos, Harry Potter y Crepúsculo contribuyeron a su manera a una avalancha de sagas adolescentes escritas para ser filmadas y filmadas para enriquecer a quien las escribe, y a unos cuantos más. Por sobre este mar plano en ideas destaca Los juegos del hambre, fábula de ciencia ficción que contiene una reflexión sobre el estrellato, los realities y la política que se sirve de espectáculos como... estas mismas películas. Aparte de todo eso, es una danza de estrellas adultas que rodean a un rutilante centro llamado Jennifer Lawrence. De esto y más hablamos en el podcast.

Esta miniserie de seis capítulos se parece más a una película larga que a la monumental The Wire, según muchos la mejor serie de la historia, que sigue lanzando una larga sombra sobre la vida y obra de su creador, el periodista David Simon. A partir de un conflicto urbano ocurrido a fines de los 80, este periodista sigue la trayectoria de un joven alcalde por los recovecos y miserias de la política estadounidense, y de paso escarba en las fracturas e inseguridades que alimentan el filofascismo que está adoptando la derecha en ese país. De eso y más hablamos en el podcast.

Estrenados con pocas semanas de diferencia, estos dos documentales chilenos se aproximan al vórtice histórico que fue el golpe del 73 desde dos miradas nuevas. Por un lado está la reconstrucción de la historia de la familia Allende, opacada por la gigantesca sombra del patriarca presidente y de una ausencia que arrastró otras pérdidas y muchos silencios en torno a su figura. En la otra está la trayectoria de los Chicago Boys, los economistas que proyectaron el rumbo económico de la Dictadura, desde sus años de aprendizaje en Chicago hasta un presente que no parecen comprender. De eso y más hablamos en el podcast.

Jean Cocteau fue dramaturgo, escenógrafo, poeta, dibujante, cineasta y unas cuantas cosas más, y volcó buena parte de ese bagaje en esta película. Montada sobre un relato moral¡zante del siglo 18, Cocteau le dio un giro leve y significativo hacia la observación psicoanalítica y hacia mitos aun más viejos. Hacia el viejo arte de los frescos en los cielos y los nuevos recursos que el cine ofrece para expresar lo sublime. Hacia el pasado y hacia el futuro. De eso y más hablamos en el podcast.

En algún momento, Wim Wenders se fue al diablo con sus ficciones. Sus documentales sobre otros artistas mantienen una inquietud y un vigor que las ficciones perdieron hace tiempo, y el comienzo de la debacle fue Hasta el fin del mundo. Lo paradójico es que esa película culmina pero también exacerba lo bueno y lo llamativo de dos colosos anteriores: uno estadounidense montado sobre The Searchers; otro genuinamente Europeo y volcado por igual al pasado y al futuro. De eso y más hablamos en el podcast.

No es claro que J.C. Chandor sea un autor y menos aun que quiera serlo. Sus tres películas son bastante distintas entre sí, y las tres parecen porosas a la influencia de otras fuerzas e intereses, pero siempre con un resultado positivo y atractivo para la abandonada audiencia adulta. Empezamos con la crisis subprime, seguimos con una fábula a lo Hemingway y terminamos con la historia de un obsesionado con su propia historia. De eso y más hablamos en el podcast.

Alex Gibney es un documentalista prolífico y versátil, capaz de cubrir con discreción, rigor y múltiples recursos una gran variedad de temas, exponiendo historias cada vez más complejas y –lo más importante– con personajes cada vez más fascinantes. En el caso particular de los documentales nombrados, y de otro dedicado a la cientología, tenemos tres historias genuinamente americanas, en torno a los personajes que lo quieren todo, culminando siempre con la imposición del mito de su triunfo. A veces resulta, a veces no; y en el proceso Gibney pinta semblanzas vívidas y muy poco comunes en el cine actual. De eso y más hablamos en el podcast.

Desde fines de los 60 y durante toda la década de los 70, la realizadora belga Chantal Akerman expandió el universo de lo filmable a través de diversos experimentos audiovisuales. La sórdida geometría de un hotel mudo y celador de sus pasajeros; la mirada asombrada de Nueva York que no sabemos si es un recuerdo o la imaginación de una madre ausente; la historia de infancia, adolescencia y juventud de una hablante que es la propia realizadora... y al centro de todo ello está el vórtice llamado Jean Dielman, y sus reflexiones sobre el tiempo, el espacio, el montaje, la sujeción de las mujeres, la sexualidad y la vida urbana, entre otros tópicos. De eso y más hablamos en el podcast.

El cineasta austriaco G.W. Pabst saltó del teatro al cine, y lo hizo en Alemania con un cine que pasó por el lado del expresionismo de los años 20, para enfocarse tanto en el realismo crítico como en el drama psicológico. Las dos películas de las que hablamos hoy encarnan esta mixtura, teniendo como punto focal a la actriz Louise Brooks, cuya interpretación desenvuelta, extrema y sumamente versátil para encarnar a dos personajes muy distintos, la convirtió en un icono que proyectó su sombra hasta bien avanzado el siglo 20. De eso y más hablamos en el podcast.

La mirada perdida, aturdida e inocente del protagonista Milos no cuadra con la locución en off con la que este personaje se presenta a él mismo y a la película que protagoniza. Esas líneas mordaces no cuadran con el animalito cuya impavidez natural se ve turbada por las hormonas aceleradas en un contexto bélico y de ocupación nazi, es decir, amoral hasta la médula. Milos se hará hombre y en el proceso se dejará arrastrar por otras fuerzas, como después pasó en mayo del 68 y acá en Latinoamérica. De eso y más hablamos en el podcast.

Aardman se equivoca poco, y cuando lo hace tampoco se nota tanto ni termina de desmerecer obras movidas por la buena intención, la exaltación de la solidaridad y -por sobre todo- del trato digno a los animales. Dotadas de guiones apretados y eficaces (dada la ardua tarea de hacer stop-motion con plasticina), las películas de este estudio británico equilibran las historias directas y reconocibles con la complejidad técnica y un humor esencialmente blanco, pero no carente de mensajes humanitarios y políticos. La cinta con la oveja Shaun tiene mucho de eso pero también se aparta un poco, y de eso y más hablamos en el podcast.

El cineasta ruso Aleksei German pensaba al revés y filmaba al revés. Ignorado, incomprendido y censurado por el Estado soviético, primero, y por el mercado capitalista, después, se atrevió a filmar lo que le dio la gana: películas sin tramas aparentes y con una puesta en escena donde todo se mueve, se mezcla y explota, como en la mirada de un niño asustado ante un caos absoluto. Una historia semiautobiográfica y una cinta de ciencia ficción fueron las últimas obras de este artista único y capaz como pocos de estampar imágenes y sensaciones en la conciencia de un público que ya no necesita entender. De esto y más hablamos en el podcast.