Civilcinema

El brasileño Glauber Rocha se ganó el mote de ser el "Godard latinoamericano" por Dios y el diablo..., cinta improbable, excesiva, deudora del western, del documental y del musical (entre muchas otras cosas)y que sin embargo no se parecía a nada de lo que se filmaba acá ni allá (o allás, en plural). Su secuela, filmada cuatro año después, tocaba un registro similar, pero agregando una mayor complejidad estilística (uso del color) y argumental (más personajes y más temporalidades yuxtapuestas), formando un filme apabullante pero también algo obsoleto. De eso y más hablamos en el podcast.

A diferencia de los ejemplos más conocidos del Film Noir al que estaba reverenciando (y homenajeando), esta película está filmada íntegramente en locación, en Boston. La telaraña de relaciones con que retrata al bajomundo bostoniano está centrada en un peón semilúcido y poco lucido, encarnado por un Mitchum especialmente escogido para dar una impronta de tragedia a una historia que no quiere alcanzar esas cumbres sino que aspira a cosas menos estruendosas pero de similar o mayor valor. De esto y más hablamos en el podcast.

A comienzos de los 90 la BBC adaptó las novelas del político británico Michael Dobbs, las que se tomaron la licencia de jubilar a Margaret Thatcher, la Reina Isabel II e incluso a su eventual heredero. Todo esto a la sombra de una figura ficticia que conjuga el cinismo de Maquiavelo con la ambición (y la esposa) de Macbeth para ascender al poder e inaugurar una nueva era de la política británica... que en algo se parece al tormentoso escenario post-Brexit. De eso y más hablamos en el podcast.

Llegado a cierta edad, el recientemente fallecido Abbas Kiarostami se internacionalizó. Pero claro, lo hizo a su manera, trasplantándose en otras culturas, asumiendo sus códigos, sus idiomas y sus herencias fílmicas, con lo que logró cintas irreprochables y sin imposturas evidentes que les resten credibilidad. Ambas cintas tienen harto en común, donde destaca la posición de un hombre mayor, dotado de cierto reconocimiento y que navega entre culturas para sentirse libre, pero lo cierto es que no está en ninguna parte. De esto y más hablamos en el podcast.

El noveno largometraje de Fellini fagocita todo lo que está en los ocho y medio anteriores (autobiografía, neorrealismo, espectáculo, formas diversas de abuso, paganismo) y lo regurgita en un autoanálisis descarnado y radical de él mismo, como persona y como artista, que abrió senderos para que varios colegas hicieran ejercicios similares en clave similar. Claro, son muy pocos los que le emulan con lun ogro artístico comparable. De eso y más hablamos en el podcast.

Este documental iba a ser exhibido en televisión para contar la verdad acerca de la ocupación nazi en Francia, pero el mito dice que el Presidente De Gaulle se opuso diciendo que Francia no necesitaba la verdad sino la esperanza. Es explicable, pues la cinta en cuestión demuele el mito de una Francia valientemente unida para resistir al invasor, y para ello recurre a imágenes de archivo que hilvanan, complementan y desmienten los potentes testimonios de las decenas de personas que explican (e inventan) la verdad. Su verdad. De esto y más se trata este podcast.

En la década de los 70, Bob Fosse se despercudió del fracaso de Sweet Charity (1969)subiendo al olimpo con Cabaret, para después sufrir un duro fracaso comercial con Lenny, para después lanzar una brillante y descontrolada semblanza de él mismo con All That Jazz. Frenético en su vida como hombre de espectáculo, declaró desde el principio que vida y espectáculo son lo mismo, y las tres películas de las que hablaremos tratan sobre las atracciones y los peligros de dicha equivalencia.

La sola existencia de esta cinta es una epopeya que trasciende al cine y que parece montarse sobre su trama para aspirar a logros mayores: dar a conocer lo barrido por la historia, reparar injusticias, hacer comprender lo incomprensible. Dos historias separadas por décadas de diferencia se muestran como la repetición propia de un mundo cíclico en tensión con una desaparición latente que no tiene nada de cíclica, sino que parece el destino definitivo de quienes tuvieron la mala suerte de vivir cerca del caucho. De esto y más hablamos en el podcast.

Una estupenda biografía del mito de Ali, por Michael Mann. Un documental panegírico del boxeador sobre el combate en Zaire, donde se le agradece y le despide como si estuviera muriendo (en 1996). Un demoledor registro sobre el combate en Manila y su reprochable conducta con Joe Frazier. Y algunas pinceladas sobre la cinta sobre Ali... protagonizada por el propio Ali. Con estas cuatro películas, y algo más, hablamos de la construcción de la figura que se convirtió en el deportista más grande del siglo 20.

Cinta canónica que cuenta la historia de una familia compuesta por puros hombres, que se esmeran en encarnar cierta decencia básica en un mundo cambia demasiado rápido y les deja fuera de juego. En cualquiera de los dos lados de la frontera mexicano-texana, la pandilla se encuentra con la cobardía y la estupidez vestidas de uniforme y al servicio de gente aun peor a la que ni siquiera se le puede ver, y que moldeó el siglo 20 en el que no tienen cabida. De eso y más se trata esta película hecha con un ojo puesto en Vietnam.

Estas son dos películas hermanas, pues ambas son hijas del genocidio indonesio de 1965 y del intento de un documentalista estadounidense de hablar de y con los genocidas, quienes son tratados como héroes por una gran parte de la población. La cinta "hermana mayor" fue secuestrada por delirante carisma de los asesinos, ante lo cual el realizador (apadrinado por Herzog y Morris) se rindió más o menos pronto, logrando salvar la cara gracias a una inesperada reacción de uno de sus personajes. La "hermana menor" trata de reparar el error anterior, mirando silenciosamente desde el lado de las víctimas, poniendo en boca del familiar de una de ellas las preguntas que no fueron hechas en la primera película. De esto y más hablamos en el podcast.

Tras culminar su trilogía del barrio Fontainhas, el portugués Pedro Costa dio un paso más hacia dentro, tratando de exorcizar los demonios de Ventura, el protagonista de Juventud en marcha. La mente de Ventura es un infierno con aspecto de hospital psiquiátrico, prisión e industria abandonada, donde el protagonista va y vuelve de historias pasadas donde es victimario y víctima, donde le dio la espalda para siempre al hecho político más importante de la historia del país, y probablemente al país también. Costa se cuelga de esto para hacer su propio comentario sobre el presente portugués y lo que quedó de la Revolución de los claveles. De eso y más hablamos en el podcast.

Tras muchos años como guionista de la TV, el comediante Louis C.K debutó con su propia serie en 2006. Trataba de una familia de clase media baja, como los Simpsons, donde el patriarca juega a ser un adulto responsable, y muchas creíblemente, aunque siempre con la sombra de una esposa más despierta y asertiva que él. Como los Simpsons. Lo raro de ver a un newyorker como Louie, habitando un entorno tan deprivado que no suele salir en TV, dio paso a una serie más bien autobiográfica que no se siente obligada a ser graciosa y donde ser gracioso no sirve para nada. De eso y más trata el podcast.

Michael Cimino tocó el vacuo cielo de los Oscar con El francotirador, para hundirse dos años después con Las puertas del cielo, arrastrando consigo al estudio United Artists. La diferencia de calidad entre ambas no justificaba tan desigual suerte, sobre todo si consideramos los logros estéticos de la segunda película, bien empotrados en una historia épica y trágica a la vez, potenciada y desbocada a la vez por una total desmesura. De la carrera de Cimino, de su foco en las comunidades migrantes, la asimilación y del tipo de individuos que deben lidiar con lo que no eligen, hablaremos en este podcast.

El reciente fallecimiento del cineasta chileno Ricardo Larraín, nos dio la excusa para revisar estas dos películas hermanadas entre ellas y con una tercera que nunca vio la luz. La primera transcurre en el sur de Chile y versa sobre el extrañamiento que tantos chilenos sintieron hacia su propio país durante la Dictadura: ganó en las taquillas y en festivales como el de Berlín. La segunda transcurre en el norte y trata sobre el acomodo de los concertacionistas con el modelo y el ethos de mercado dejado por la Dictadura: naufragó en las salas y se granjeó unos cuantos enemigos. De esto y más hablamos en el podcast.

El psicoanálisis y el cine nacieron más o menos al mismo tiempo y tal vez eso no fue casualidad. Eso no quiere decir que se hayan encontrado rápido ni de manera fácil, de hecho el patriarca del psicoanálisis nunca se interesó en el cine, pero con los años el fenómeno se dio intensamente en el sentido inverso. A ambos lados del Atlántico hubo productores y directores interesados en las tramas que podían surgir del análisis del alma, y entusiasmados con las posibilidades de este arte nuevo de filmar algo parecido a los sueños. Y claro, en algún momento el interés se enfocó en Freud y sus discípulos. De eso y más hablamos con nuestro invitado, el psicoanalista Miguel Reyes.

Aldo Francia fue algo así como nuestro Vittorio De Sica. En vez de reconvertirse desde la actuación, él aterrizó en el cine siendo un médico cinéfilo, que fundó un cine club, construyó un cine (con otras personas), fundó publicaciones, organizó un festival de cine y ayudó a armar la primera escuela de cine. Todo esto en el eje Viña-Valparaíso que secuestró su mirada para siempre. Debutó con una obra maestra y después hizo otra película, dañada por la efervescencia y por sus propia necesidad de definirse. De esto y más hablamos en el podcast.

Hay unas pocas películas en la historia que se han convertido en legisladoras; en azotes tan feroces al sentido común que le han hecho reaccionar y manifestar su voluntad de cambio y su mala conciencia en leyes, instituciones o políticas públicas. Rosetta, de los Dardenne, y Scum, de Alan Clarke, son dos ejemplos que se vienen a la cabeza, pero probablemente la más ilustre de esta pléyade de películas sea esta obra maestra del joven Ken Loach, que con 50 años encima se ve tan fresca y urgente como cuando fue emitida por vez primera en las pantallas de los televisores británicos.

Esta es una de las películas más singulares y desconcertantes de la historia. Relata la vida de un pintor de iconos ruso, pero no se le muestra casi nunca pintando uno. Comienza con un episodio anacrónico de un globo aerostático que cae a tierra sin continuidad alguna con lo que viene después. Tiene el nombre de una persona, pero la película es también la biografía de un pueblo completo que además parece a ratos a contener el mundo entero. Hay episodios que no parecen ordenados; los personajes aparecen y desaparecen; los recuerdos y las visiones se entrometen en la realidad; el blanco y negro es real y el color es de mentira. De todo esto y más hablamos en el podcast.

El postmortem a la carrera de Cameron Crowe tiene como eje central que es por lejos su mejor película. Promocionada como una comedia romántica edificante, lo que opera por debajo es el retrato de una estrella que es bajada de la pantalla a la vez que conoce a alguien que quiere subirse a ella. Por cierto que también es un retrato del propio Crowe, obligado a reinventarse permanentemente para conservar la entereza en un mundo que no la valora. De más está decir que le ha ido pésimo. De eso y más hablamos en el podcast.