Civilcinema

Esta película no es muy conocida a nivel mainstream pero es un verdadero monumento a la energía que lo sacudió todo en los 60 para que todo quedara más o menos igual. Incluso este documental falso –uno de los primeros de la historia– fue precursor al retratar al tipo humano que le dio la espalda a lo público y se dedicó a deambular y enloquecer en soledad en el enorme territorio estadounidense. Pero a la vez es una versión del Peeping Tom de Michael Powell y de la Crónica de un verano de Rouch y Morin. Es también un insano despliegue de autoconciencia de un individuo y su tecnología, como también una declaración sobre la imposible neutralidad de esa tecnología. De eso y más hablamos en el podcast

Será discutible pero es un hecho: The Shawshank Redemption (1994) figura en la cumbre de las mejores películas de la historia según la valoración del público en IMDB. ¿Es mejor que El padrino, Vértigo o Las reglas del juego? No, pero... Hay algo que en esta película que la hace funcionar como un reloj, donde no parece sobrar nada y donde fluye el intelecto en función de la emoción y de una mirada optimista y compasiva hacia el mundo y sus habitantes. Y hay más que eso, y lo tratamos de desentrañar en este podcast.

Al ver estas películas del trío Frears-Morgan-Sheen uno siente que aún hay algo incompleto en esto y que está por decir la última palabra sobre el rol de Tony Blair en la historia del Reino Unido. En las dos primeras películas, el real peso de la trama no está en Blair sino en sus "víctimas" (Gordon Brown y su Graciosa Majestad), que deben soportarlo como un espíritu entre travieso y maligno que los acorrala con astucia y un hábil uso de los medios. La tercera película, es algo más equilibrada, pero solo hasta cierto punto, pues el resultado es el más pobre de la trilogía. De esto y más hablamos en el podcast.

Este documental ganó el Arqfilmfest (un festival de cine y arquitectura) de 2013 gracias a sus ideas. O mejor dicho, a las ideas de los arquitectos y urbanistas que plantean salidas posibles y de diversas escalas a uno de los desafíos más grandes que puede tener el urbanismo contemporáneo: el crecimiento de Ciudad de México. Mega proyectos, prótesis móviles, el rescate de utopía pasadas o el servicio a los más desposeídos son algunas de las soluciones que algunos arquitectos mexicanos proponen para impedir o retardar el destino sin nombre de una ciudad que no para de crecer.

Jim Jarmusch acaba de sacar una película con vampiros que está lejos de ser una película de vampiros. Sus aristócratas no muertos no buscan causar susto sino mostrar la vida matrimonial del realizador, así como el progresivo distanciamiento con el público al que supuestamente debería complacer. ¿Es la primera vez? No, hizo un western que no parecía western (Dead Man); y un thriller de acción que no era thriller ni tenía acción (Limits of Control). En suma, Jarmusch es antes que nada un individuo singular que se monta en los géneros para mostrar su mundo de silencios, gestos recurrentes, quietudes y cierta pertinacia. De eso y más hablamos en el podcast.

El coreano Bong Joon-ho es uno de los pocos directores del mundo que puede llegar al público masivo con obras consistentes en su forma, osadas en sus tesis y eclécticas en cuanto su desfile por más de un género, incluso dentro de la misma película. A esa gracia se le puede agregar la de haber encontrado la manera de aterrizar en Occidente y salir más que bien librado, y esa fue un comic francés de los 70 que resultó particularmente adecuado para hablar del súbito estallido mundial que hoy vivimos contra la desigualdad. Eso es Snowpiercer y de ello hablamos en el podcast.

Tres películas prácticamente consecutivas, en las que al menos podemos ver dos cosas: a) una evolución velocísima en cuanto a estilo visual del realizador polaco Andrzej Wajda, desde los clásicos soviéticos del cine mudo hasta los barrocos experimentos de Orson Welles; b) el desarrollo de tres aristas amargas en torno a la guerra y a la resistencia de los polacos contra los nazis, tres aristas que están lejos de la propaganda y la complacencia y que ya anuncian el éxodo de muchos polacos a Occidente y el malestar ante el comunismo que fue aplastado en 1968, en Praga. De esto y más hablamos en el podcast.

Son dos películas gemelas en recursos, ritmo y estructura, y sin embargo no pueden ser más diferentes. Una retrata a un político inconmovible en un entorno propio de película de mafiosos, envuelto en unas tinieblas donde todo es cambiante, sinuoso y peligroso. La otra es un carnavalesco híbrido entre Fellini y Proust, más preocupado de Roma que de Italia y al mismo tiempo con una vocación internacional que la primera no tiene. No en vano, La Grande Bellezza se ganó el Óscar.

Todavía no está del todo clara la verdadera estatura del danés Lars von Trier en la transición del cine del siglo 20 al 21. Está bien, ha ganado Cannes, ha desatado escándalos y ha removido conciencias con sus películas; pero parte del mérito está en haberse parado en los titánicos hombros de Dreyer, Bergman y Tarkovsky. Su última película es otra expresión más de su vocación cosmopolita, su gigantesca ambición artística y comercial, y de su instinto provocador, pero ¿le resultó? De eso hablamos en el podcast.

Cuando Pixote fue estrenada en EE.UU. desató el doble escándalo por dar a conocer una realidad aberrante y porque esa realidad, bueno, era realidad. Es decir, existía. Y existe. Este relato de un cuasi adolescente que entra a una moledora de carne con el nombre de "reformatorio" en el pórtico supera todas las atrocidades que el cine había infligido a los niños pobres de países pobres, y para colmo convirtió a su actor protagonista en la gran víctima de su tremendo impacto. De esto y más hablamos en el podcast.

Sin ser la mejor de la batería de películas animadas que convirtió a Walt Disney en uno de los personajes clave del siglo 20, Pinocho tiene un soporte mítico e icónico que ha permanecido por décadas e inspirado películas superiores a ella misma. A diferencia del rocambolesco cuento del italiano Carlo Collodi, la versión de Disney es más condescendiente con el sentido común conservador y disciplinador de los niños, además de hablar sutilmente de la relación del propio Disney con sus propias creaciones. De eso y más hablamos en el podcast.

El día de la marmota es un clásico sin quererlo, y por esa falta de pretensión se ha ganado la simpatía y el respeto de una generación de cinéfilos treintocuarentones. Y muy merecidamente. A partir de su premisa genial y de un desarrollo inteligente y cada vez más revelador de las complejidades de la vida, tenemos una comedia divertida, romántica y terapéutica que se hace cargo de grandes temas casi por accidente, o al menos eso parece. El otro gran activo de esta cinta es Bill Murray, un gran agujero negro que absorbe energía y que atrae magnéticamente las fuerzas de las películas que participa para disolverlas en nada. O al menos eso es también lo que parece. De eso y más hablamos en este podcast.

En este podcast solemos tratar de una película o de muchas películas, si es que son de un mismo realizador. Por primera vez hablaremos de dos obras de directores distintos, pero hay una buena razón para ello. Son dos cintas británicas estrenadas en la misma época y que se enfrentan con los fantasmas de las guerras pasadas, presentes y futuras, como en el cuento de Dickens. Flirteando visualmente con el periodismo y con el documental, estas películas de Peter Watkins y de Kevin Brownlow (con Andrew Mollo) producen extrañeza, inquietud, horror y no poca desconfianza hacia toda forma de autoridad. De esto y más hablamos en el podcast.

Esta película es un monumento. Por el tema que aborda –el Holocausto judío–; por la forma en que lo aborda –sin imágenes de archivo y sin música incidental–; por el propósito que la anima: explicarse cómo fue posible un exterminio de tales magnitudes a partir de los detalles técnicos e ingenieriles que movieron esta maquinaria macabra. Preguntando por las minucias, Lanzmann llega a grandes respuestas que buscan servir de testimonio de lo atroz, convencido de que incluso lo más infame es prontamente olvidado si no se hace algo al respecto. Un fresco gigante, lleno de historia oral, de relatos y de persona(je)s inolvidables.

Para los que se preguntan de dónde sacó Wong Kar-wai la atmósfera de contención sexual que dejaba a sus personajes como entes suspendidos en el aire; bueno, la respuesta está acá: una película china de 1948, rodada con mínimos recursos, entre el fin de la II Guerra Mundial y el triunfo de la Revolución. Tiene algo de teatro, mucho de teleserie y bastante de gran cine. Bastante. Con sólo cinco personajes y unos cuantos escenarios asociados a cada uno de ellos, se arma una tremenda y sentida historia que tiene un lugar seminal en la historia del cine chino, honkonés y taiwanés. De eso y más hablamos en el podcast.

Se murió Philip Seymour Hoffman. Flor de cagada. Tenía 46 años, y su muerte en estos momentos es como si DeNiro se hubiera muerto a esa edad. La pérdida es incalculable porque este sujeto solía hacer películas importantes, ¿cuántas quedaron en el tintero? Mejor ni pensar en eso. Mejor recordar y agradecer lo que nos dejó, y dentro de ese legado generoso nos vamos con esta cinta de Charlie Kaufman, llena de ambición y de una desmesura. En la cara de Hoffman, esa desmesura desgarra, hunde, cierra puertas y abre otras a lugares todavía peores. Un muestra pequeña de la vida en general.

Esta película ganó Cannes y sin embargo no llegó a la lista corta de nominadas a la Mejor Película Extranjera de los Óscares. Y no llegó porque el Estado francés prefirió no postularla, en parte debido a una seguidilla de escándalos y polémicas surgidas por su poca o mucha fidelidad con el comic original, y sobre todo por las acusaciones de violencia y manipulación hacia su director, Abdellatif Kechiche, de parte de las protagonistas de la cinta. En este podcast, hablamos de las polémicas, pero sobre todo hablamos de los muchos méritos de esta película y de las difíciles cosas que trata de lograr.

Teoría de la mente expandida, singularidad, inteligencia artificial, rapture y varios conceptos más aparecen por primera vez en la larga vida de este podcast. ¿Por qué? Porque Her, de Spike Jonze, se zambulle de cabeza a hablar de temas del siglo 21 desde un humanismo que mira de frente al abismo del posthumanismo para después salir arrancando. Si aparecen todas esas palabrejas es porque en este podcast estuvo invitado Ricardo Martínez, uno de los dos lóbulos de Tercera Cultura, quien le dio un tremendo empujón a la conversación sobre esta película.

Es uno de los grandes clásicos del cine soviético y mundial, una película hecha con el mismo "guión de hierro" de las de Einsenstein pero sobre personajes de carne y hueso. La madre es una versión de la novela homónima de Gorki, y replica varios de los recursos de Griffith para darle amplitud literaria al entonces nuevo arte audiovisual: planos generales alternados con primeros planos, cruces entre las geometrías de la arquitectura moderna e imágenes naturales como metáforas políticas. Todo esto conforma una cinta veloz y muy emocionante. De eso y más hablamos en el podcast.

David Lean se convirtió en un referente cinematográfico por usar las imágenes, los sonidos y la música para mostrar la compleja relación de las historias humanas con los entornos naturales. Las primeras son las que nos interesan y a veces nos atañen, pero son los segundos los que perduran y seguirán estando allí, conteniendo, enmarcando y dando forma a los efímeros dramas de los efímeros personajes que somos nosotros. Esta película muestra la construcción y la disolución de uno de estos personajes, y alude a la imposibilidad de que vuelva a aparecer otro igual. Lo mismo se podría decir de esta película. De esto y más hablamos en el podcast.